No cal aplicar claustròfobs: 16 pel·lícules en una ubicació única

Un dels principis bàsics que els cineastes en voga s’ensenyen i fomenten a l’escola de cinema, almenys quan comencen, és triar un lloc senzill i ideal per a motius pràctics: pressupostos i falta d’aquests, permisos, control, il·luminació. facilitat, etc. Si ets un estudiant de cinema trencat amb pocs mitjans, la manera més senzilla de fer una pel·lícula és posar-la en un entorn on idealment tinguis el control total.



Això és; Quentin Tarantino fixar la seva imatge clàssica 'Reservoir Dogs'Dins d'un magatzem i mai no va mostrar el ritme fort, en lloc d'optar per mantenir l'interior com un tret interior excepte algunes escenes a fora que probablement es van disparar un o dos dies. Curiosament, de la nostra llista de les millors pel·lícules en un sol lloc, gairebé tots aquests cineastes van fixar aquestes pel·lícules en un únic muntatge per opció creativa i no perquè es veiessin obligats. La metodologia que hi ha al darrere no està gaire allunyada Jack WhiteÉs el manifest que menys té dins del Franges Blanques: obligar-se a ser creatiu inventivant restant totes les joguines que normalment tens a la seva disposició i tornar al bàsic.

Danny BoyleÉs '127 Hores'Arriba als cinemes avui en llibertat limitada i, mentre que no està estrictament ubicada en un sol lloc, la gran majoria de la pel·lícula es troba en un sol canó claustrofòbic, amb el canyoner Aron Ralston atrapat sota un bosc. Boyle utilitza tots els trucs del seu vocabulari cinematogràfic per mantenir la situació fresca, però vam pensar que estudiaríem com passen altres realitzadors. Alfred Hitchcock a, més recentment, 'Enterrat'director Rodrigo Corts, han tractat una ubicació única.

“Corda” (1948)
A 'Corda', Basat en el cas de la vida real de Leopold i Loeb, dos estudiants universitaris que van creure en la teoria de l'assassinat Übermensch de Nietzsche com l'acte final de superioritat intel·lectual, Alfred Hitchcock llança diversos obstacles tècnics en la seva història per tal de presentar la història (basada en el 1929 Patrick Hamilton reproduir) a la gran pantalla. A més de la configuració d’ubicació única, d’un apartament, Hitchcock reprodueix la pel·lícula en (més o menys) temps real (mira la posició de canvi de sol fora de la finestra durant tota la pel·lícula) i intenta presentar la pel·lícula com una presa ininterrompuda gràcies a alguns edició hàbil. Tot i que els jocs tècnics no funcionen sempre i de vegades es distreuen, no es pot negar l'efecte general. Amb unes interpretacions fantàstiques de John Dall i Farley Granger com a duo assassí, i el sempre fiable James Stewart com a professor sospitós, “; Rope ”; és un divertit joc de gats i ratolins divertit que eleva les apostes mantenint tots els jugadors al marc durant tot el temps d'execució. Dall, en especial, és un personatge destacat com Brandon, un ple d’alegria desenfadada combinada amb un sentit pervers de la realització, mentre que Granger és el propi Phillip molt més nerviós i culpable. Tot i que només sabeu com és el seu “; delicte perfecte ”; es revela en última instància, “; Rope ”; encara és molt divertit de veure. L'expressió verbal és deliciosa i la història de l'homoerotisme que travessa la pel·lícula és notable per a la seva època. No hi ha moltes de les pel·lícules de selecció que tenen aquesta llista tant com Hitchcock fan malabars aquí, però en la seva majoria funciona, i el que és més important, la història esdevé ràpidament molt més fascinant que les novetats que s'expliquen. [B +]

'12 Angry Men' (1957)
Pedants, dempeus, mentre que la pel·lícula es reserva amb escenes a l'exterior i el bany es presenta breument, “; 12 Angry Men ”; és en el fons una pel·lícula única; tot el que importa passa, tancat en el temps i l’espai, en una sala de jurat sudorosa i sense característica on s’envien els dotze homes del títol per decidir el destí d’un home acusat d’assassinat. Basat en (i aparentment diferent poc guió) un teleplay del mateix nom, la pel·lícula mai se sent res més que cinematogràfica, malgrat les seves arrels televisives i la deliberada teatralitat de la seva posada en escena (testimoni de la bonica coreografia d’aquell moment devastador quan la renunciar a un racista es revela a si mateix, i cadascun dels seus companys un a un s’atura i gira l’esquena) és en gran part a causa de les escletxes actuacions, marcades per un mai millor Sidney Lumet al llarg d’un procés d’assaig ardu. Menció especial cal anar a parar Henry Fonda, l'obra del qual és una obra mestra de la subestimació i la intel·ligència restringida i promou la pel·lícula des d'una meditació sobre la liberalitat, el sistema judicial i el significat de la justícia (interessant) fins a un assaig atentament sobre la mecànica del poder i la manipulació (interessant). Sí, alguns detalls poden semblar trepidants: un testimoni GASP no es portava les ulleres; un vell SHOCK arrossega la cama, però més sovint no és & fs ’; que canvien d’opinió, en canvi, cada home s’equivoca demostrant el seu hubris, el biaix i l’afecte a la resta i a ell mateix. Aquesta potser és la realització més destacada de la pel·lícula ’; és un monument elevat a la idea que l 'home comú ’; és de cor bo i amable, és simplement que de vegades necessita una mica de recordació. [A]

“Bote salvavides” (1944)
Alfred Hitchcock, sens dubte, va tenir una mena de creativitat masoquista inclinada per posar les seves produccions en situacions més difícils, com ara, dins dels límits d’un bot salvavides amb diva excèntrica (i esmentat pantaló eschewer) Tallulah Bankhead. A continuació, llençar un joc d'una primitiva amputació de les cames per divertir-se. El conjunt de la Segona Guerra Mundial va obtenir els noms d’Oscar al millor director, Millor història de pel·lícula original (de John Steinbeck), Millor cinematografia en blanc i negre (renúncia a fantasmes de les categories d’Oscar) i tota una controvèrsia pel que es va veure com un retrat propagandista d’un capità nazi que acaba a bord del bot salvavides. La tripulació de motley que es va ajuntar després que un vaixell de passatgers i un submarí alemany s’enfonsessin entre si constitueixen un petit model U.N de races, credències i nacionalitats, i tothom ha d’aprendre a portar-se bé per sobreviure, i no tots ho fan. Hitchcock es va presentar amb el repte de rodar aquesta pel·lícula: enganxar un grup d’actors en un vaixell salvavides al mig de l’oceà no proporciona al director tantes opcions visuals, però va posar en escena els actors dins del marc d’una forma dinàmica en capes. , han utilitzat primers plans i han creat magistralment tot un univers dins dels límits del vaixell simplement omplint el quadre amb caràcters. Malgrat la petita ubicació, la pel·lícula mai se sent claustrofòbica. Hitch també es va afegir a un altre repte de la seva història, eliminant completament la partitura (excepte el principi i el final), deixant que el públic no es vegués influït per les indicacions musicals, aprenent què necessitava saber de les accions dels personatges, Hitch ’; Un inigualable treball de càmera i edició, i el desolat sonet diegètic de l'oceà xocant contra el casc. Tots els cineastes d’un sol lloc que hi ha: s’inclinen davant el teu amo. [A]

“The Breakfast Club” (1985)
El problema de l'existència de l'escola secundària, a banda de la molèstia i no s'hi encaixa, és la detenció, de manera que John Hughes va ser una forma genial d'utilitzar l'encarcerament físic com a metàfora emocional per a la angustia i l'angoixa de tots els adolescents, sense importar la seva estació a l'escola. , sent. Potser no és tan claustrofòbica com algunes de les pel·lícules d'aquesta llista, 'The Breakfast Club' segueix ajustant-se al projecte, ja que el panorama està completament format a una escola secundària en el pitjor dia possible per a un adolescent: un dissabte. Ho heu vist, per tant, no cal que us expliquem molt més sobre aquest clàssic dels anys 80 que obliga un trinquet, una presa de puny, un atropellat, un delinqüent i un encís per resoldre els seus problemes col·lectius, però és un invent premissa que òbviament funcionava a les piques. Hi ha molta ràbia i llàgrimes a la dramatúrgia quan els estudiants de la pel·lícula es veuen obligats a enfrontar-se a les seves pors i dimonis, però al final és aquesta autònoma d'anàlisi que els deixa, i nosaltres, l'espectador, ens sentim una mica més entesos. en un món molt cruel i imperdonable. [A]

'Enterrat' (2010)
El concepte és senzill: un home es desperta enterrat viu en un taüt i ha de lluitar per la seva vida. I, per cert, la pel·lícula de Ryan Reynolds va obtenir molt de soroll i calor per la seva ambiciosa concepció que va trobar l'actor a la pantalla, per ell mateix, per a tot el llarg de la pel·lícula. I si bé Reynolds es demostra que és capaç de mantenir una presència infernal durant el temps d'execució de la imatge, el dolent guió de Chris Sparling no pot igualar l'energia que aporta l'actor principal de la pel·lícula ’; Plagat del tema del personatge de Reynold ’; s amb un servei de telefonia mòbil increïblement fort sota terra, el guió només empitjora. En essència, “Enterrat ”; és a 90 minuts de trucades telefòniques i, a causa que aquests personatges són només veus per a Reynolds que es rebotin de la mateixa, es fa palès la precisió de quina forma és tota la seva empresa. Arribant a una mica de pes narratiu, el guió passa a una mena d’afirmació política d’etapa tardana però no s’aconsegueix convèncer. El director Rodrigo Cortes fa tot el possible per escenificar de manera creativa una pel·lícula que es desenvolupa en un espai extremadament confinat, però només hi ha tantes maneres diferents d’enquadrar Reynolds en un primer pla. Tot fum i sense foc, 'Enterrat', literalment, es caure. [C-]

“Cube” (1997)
Un exercici per fer molt amb una mica, “; Cube ”; es va disparar en 20 dies a un sol 14 ’; x14 ’; va establir només $ 365.000 CAD, però va generar dues pel·lícules posteriors (una seqüela i una precuela) i el culte. Es tracta d'una obra magra i absorbent en la qual el truc Kafkaesque (un grup de desconeguts es desperten en un cub pesadís que consta de cambres constantment canviants i d'aspecte gairebé idèntic, moltes de les quals són aptes per matar), com en tots els El millor estil de ciència-ficció, només existeix com a excusa per gaudir d'una filosofia poc antiga i amb el poder d'estil de 'Superviviente' i 'rdquo;', mentre es juguen aliances temporals i es desmoronen i les persones resulten ser allò que no veuen. Diem M'agrada la millor ciència-ficció, però, perquè fins i tot en el seu millor moment, “; Cube ”; en realitat mai no hi arriba; tampoc no suposa aquest salt cap al veritablement estrany i / o retorçat, com ara '2001', o fins i tot “; Primer, ”; o “; Pi, ”; però tampoc no proporciona respostes reals, de manera que es troba més aviat entre tots els excrements disponibles, amb una actuació i una caracterització més aviat filades que fan que no pugui ser una peça de conjunt d'estil de “; Sunshine ”; Però, per descomptat, es tracta principalment de comparacions amb pel·lícules que tinguin molts, moltes vegades, el pressupost de Cube ”; ’; així que potser es pot fer malament amb nitpick. Si no és res, ho hem d'agraïr per haver anunciat l'arribada d'un nou prometedor nou director de terror / ciència-ficció a Vincenzo Natali, que des de llavors ens ha portat el gust de “;Cypher”; i “;Empalmament”; (cosa que ens va agradar molt), i actualment està adherida a la ciència científica Holy Graal, una adaptació de William Gibson ’; s “; Neuromancer. ”; [B]

“Cabina de telefonía” (2002)
Testament de la supervivència del concepte alt a Hollywood, guionista Larry CohenLa pel·lícula de ’; aquesta pel·lícula es va mantenir a la prestatgeria durant poc més de 40 anys, una vegada desenvolupada per ningú més que Alfred Hitchcock. La pel·lícula va acabar desenvolupant-se sota l’atenta mirada d’un cineasta considerablement menys talentós, un Joel Schumacher, més conegut per acabar definitivament amb la franquícia de Batman als anys 90. El resultat final és exactament allò que espereu, tot i que Schumacher va fer una interpretació cabdal per part d'un llavors no provat Colin Farrell (anteriorment havia treballat amb Schumacher en el que va suposar la millor pel·lícula del director i 2000; rsquo; s drama de camp d’entrenament al Vietnam “; Tigerland ”;). Com a singular lamentable publicista de douchebag Stu Shephard, Farrell sua, crits i llàgrimes al compartiment de vidre, està permanentment tancat sota l’atenta mirada d’un franctirador francès sense nom (Kiefer Sutherland, que passa gairebé tota la pel·lícula freda informant a Stu de la seva imminent desaparició a través de veu en off i, sorprenentment, la clava). Entre els dos homes es troba un arquetip de policia negra de fletxa recta de confiança, el capità Ramsey (Forest Whitaker, sempre fiable i aportant una certa veneració a un cansat personatge de borses). Fer malbé els turments que pateix Stu i si alguna vegada surt de la cabina del telèfon viu, perjudicaria els dramàtics girs dramàtics de Schumacher, quan tota la seva pel·lícula és una peça de muntatge, només hi ha tant gas que es pot cremar abans que les coses es redueixin a la melassa. Per sort, “; Cabina telefònica ”; manté la tensió a l’alça i es converteix en un thriller útil, de tant en tant emocionant i sempre vigilable, amb un gimmick únic que, en la seva majoria, es desgasta amb menys rapidesa que pensem. [B]

“; Líban ”; (2009)
El molt recent “;Líban”; fa aquesta llista no només perquè, literalment, tota l’acció es veu des del punt de vista d’un tanc, sinó també perquè aquesta única ubicació s’utilitza per començar un efecte. La reconstrucció de les seves pròpies experiències de Samuel Maoz ’; es produeix com a tirador de tancs israelians durant la guerra de 1982 entre Israel i el Líban (a excepció dels primers i últims dos trets de la pel·lícula) íntegrament dins d’un tanc israelià recolzat per un equip de paracaigudistes. que es traslladen al territori enemic el primer dia de batalla. L'autor, el tirador Shmulik (Yoav Donat), de Maoz, es manté bloquejat per aquesta durada de la pel·lícula, juntament amb la seva tripulació, encapçalada per un comandant que va lluitar amb les seves personalitats conflictives. No sens dubte coneixeu l'expressió que quan poseu diverses persones en una habitació durant un llarg període de temps, les costures inevitablement es separaran i arribaran a cops de mà. Al “; Líban, ”; el tanc gairebé no és ni una habitació i els homes viuran o moriran el dia i, si no, avui, demà. El dipòsit dóna protecció, però també és una trampa, una que no té sortida, no té sortida d’emergència. Si el dipòsit crema, la carn també ho fa. “; Líban ”; és cinefòrum a la paret i s’ha de veure, experimentar, si no necessàriament gaudir. [B +]

“Sala de pànic ”; (2002)
Pel seu seguiment al fracàs original i crític comercial “; Fight Club ”; (tots sabem com va resultar), David Fincher es va proposar donar al modern thriller una injecció de retenció anal només un parell de visionaris d'aquest negoci poden acabar. Amb “; Panic Room ”;, Fincher es detalla de manera acurada el disseny d'una casa massiva a punt de ser assediat per tres homes de temperaments molt diferents: el cap de calor calent Junior (Jared Leto), el conductor del bus desconegut Raoul (Dwight Yoakam) i el complaent. , tot i que el cracker Burnham (Forest Whitaker, que era conscient i segur), que entre aquest i “; Phone Booth ”; va dominar el mercat del 2002 en els personatges de suport negre autoritzats en espais tancats). La tensió d’aquest exemple d’ubicació única prové de Meg (Jodie Foster) i Sarah Foster (Kristen Stewart, mossegant-se el llavi amb el millor d’ells en un primer exemple d’actuació apàtica que la portaria a través de l’interior.Crepuscle'Sèrie', una mare i una filla en què l'única desgràcia es va traslladar el dia equivocat. Afortunadament, la casa té una “habitació de pànic ”;” de nou, impenetrable i proveïda de menjar i càmeres de fotos a la casa. El problema és la seguretat que els lladres busquen que els esquerdats estiguin a l'habitació i tenen totes les intencions d'entrar-hi, abans de fer volar la casa. Com dirigia Fincher i (sobretot) rodat per Conrad W. Hall (el fill del desaparegut gran Conrad L. Hall), “; Panic Room ”; és fosc, metòdic i magnífic, però res més fora d’un thriller afilat amb un concepte inquietant. Un altre film com a testimoni de la tècnica virtuosa de micro-gestió de Fincher, “; Panic Room ”; és una mica desagradable pel cineasta, però poc més. Tot i així, de la mà de Fincher, això posa el cap i les espatlles de la pel·lícula per sobre de la competència. [B-]

'El meu sopar amb Andre' (1981)
A part d’explicar, els experiments i els reptes personals de Hitchcock (molts d’ells que s’enumeren aquí) La festa de conversa de principis dels anys vuitanta de Louis Malle pot ser l’apogeu de la configuració única. Essencialment, una conversa de 110 minuts, 'El meu sopar amb Andre', és exactament això, un sopar allargat entre dos amics disparats en temps real discutint la naturalesa de la vida, el teatre i altres coses. Els temes són el peculiar actor Wallace Shawn i el seu amic i director de teatre experimental, Andre Gregory. Gregory és un somiador curiós mentre que Shawn és un típic novaiorquès més cínic i, tot i que hi ha poca fricció en el seu discurs, les seves subtils diferències permeten una dicotomia absorbent. Tot i que també sembla que el cinema en veritat s’ha equivocat, i bàsicament va en contra de totes les regles de cine i guió que hi ha 101, el sopar amb Andre és absolutament atractiu, vigilant i engrescador. La degustació Col·lecció de criteris No ho van proposar com a artefacte, també volen guanyar diners, ja ho sabeu i s’adonen que és una pel·lícula sempre convincent (i coses molt més seques existeixen a les seves mercaderies; vegeu un muntatge únic “Secret Honor”). de Robert Altman). Durant el sopar, Wallace i Gregory van tocar filosòficament temes com la naturalesa de la vida, l'existència i el teatre, però sempre amb una curiositat oberta i convidant; no hi ha respostes ni postulacions pedants, això és col·loquial en el seu millor moment. 100 minuts més tard, quan es fa el trencament del pa i es beu el vi, els amics van per camins separats i es queda a l’audiència a digerir els temes reflexius discutits. Una convenció que es desprèn de tots els sentits que desafia gairebé tots els àmbits de la realització de pel·lícules i narracions de narracions, no és un documental en cap sentit i està molt guionat basat en converses de la vida real entre els dos líders. 'El meu sopar amb Andre' és aquesta rara i agradable regla trencador que tot amant del cinema hauria de veure com a mínim una vegada. [B +]

'Finestra posterior' (1954)
Una altra pel·lícula única, una altra obra mestra d'Alfred Hitchcock. Aquesta vegada, l'escenari és un complex d'apartaments de Greenwich Village, on una onada d'estiu a la ciutat de Nova York ha fet que els habitants dels apartaments hagin obert les finestres. No està satisfet de restringir el muntatge de la seva pel·lícula, Hitchcock es presenta amb un altre repte al restringir el punt de vista de la pel·lícula al personatge únic: Jeff Jeffries (interpretat per un Jimmy Stewart perfectament repartit), un fotògraf amb una cama trencada. enganxat a una cadira de rodes. Confinat al seu apartament, Jeffries, que és visitat ocasionalment per la seva infermera (Thelma Ritter) i la seva xicota (una delectable Grace Kelly), dirigeix ​​l’atenció cap als diversos veïns que hi ha a l’interior del pati des d’ell que pot veure per la finestra del seu saló. La dona solitària sense marit. L’artista poc convencional. Els novis enamorats. El sol músic que beu. La parella sense fills que estima el seu gos. Una ballarina de ballet curvy. I per descomptat, la parella que sempre lluita. Un dia la dona d’aquesta parella acrònica desapareix. Jeffries, mirant cap a l'apartament de la parella des dels límits de la seva pròpia sala d'estar, mostra una evidència del que creu que podria ser l'assassinat de l'esposa a mans del seu marit (Raymond Burr). La configuració del complex d'apartaments es converteix ràpidament en Jeffries ’; tan obsessionat en trobar més pistes. Al mateix temps, els espectadors es perden en la narració econòmica de Hitchcock ’; s, on no es malgasta cap detall. Mirant per sobre Jeffries ’; A través de llargs trets del complex d’apartaments de Hitchcock ’; busquem pistes amb l’esperança de descobrir el misteri. I abans de saber-ho, Jeffries ’; la sala d’estar s’ha convertit en la nostra. [A]

“Cinta” (2001)
És un gran actor de teatre, però a la pantalla, Ethan Hawke pot ser una mica insensat. Si no és, és a dir, amb qui treballa Richard Linklater, per a qui Hawke ofereix constantment les millors prestacions de pantalla. I pocs són millors que un que dóna a 'Cinta', l'adaptació de Linklater de la versió Stephen Belber jugar. Ambientat en temps real, sense sortir mai de la desagradablement calenta motel de la qual està ubicada, Hawke interpreta Vince, un traficant de drogues de la ciutat per obligar el seu amic més antic a Jon (Robert Sean Leonard, un altre veterà del teatre que poques vegades s’utilitza bé a la pantalla) ) confessar violar a l'ex-núvia de Vince, Amy (Uma Thurman) quan eren més joves. Les voltes i tornades rarament es juguen a les vostres expectatives dels personatges i, en la seva majoria, el treball de càmera de Linklater, tot i que no és el més bonic, és atractiu i, en gran mesura, impedeix que la pel·lícula se senti massa escena. Però realment, com passa sovint a una pel·lícula rodada en un lloc, és la vitrina d’un actor i poques vegades les tres estrelles han estat millors. Alguna cosa d'un experiment menor en el cànon del director, però un subratllat. [B +]

“Deterència” (2000)
Existeix una llarga tradició del thriller nuclear claustrofòbic amb polsador, de Sidney Lumet “A prova de fallades'A les versions més recents' Crimson Tide 'i' tretze dies ', però cap no ha estat mai tan claustrofòbica, almenys a la ubicació, com Rod LurieÉs 'Determinació'. El debut a la direcció de l'ex crític de cinema Lurie es va establir el 2008 i veu un president a la pista electoral (Kevin Pollak) va quedar atrapat en un restaurant a Colorado per una tempesta de neu, mentre que enmig d'un atac de brigant nuclear amb un Iraq dirigit per Uday Hussein, que ha envaït Kuwait. Mentre que té una primera pel·lícula, Lurie manté la tensió i, mentre que l'ex-stand Pollak no és el president més evident de la història del cinema, és sorprenentment bo i s'adapta al personatge, un vicepresident jueu elevat inesperadament al gran seient per la mort anterior del comandant en cap. Però, per desgràcia, la pel·lícula és majoritàriament un error, principalment a causa d’un repartiment de suport poc convincent, sobretot el Sean Astin, obtingut per una cabra ridícula, com a racista de petita ciutat i una trama cada cop més tonta. Les coses finalment arriben a un punt àlgid amb el final, que no és només moralment qüestionable (i no realment de manera deliberada), sinó que és una trampa narrativa completa. No és interessant, però millor que et quedis amb 'Falles segures'. [C-]

“Dial M For Murder” (1954)
D’acord, així que tornem a fer trampes lleugerament aquí, ja que la pel·lícula té un parell de seqüències fora de casa de Margot (una il·luminació com és habitual Grace Kelly) i Tony (Ray Milland), però nosaltres ’; ll oblidarem que com “; Dial M For Assassinat ”; és un altre emocionant “; assassinat perfecte ”; tàper de Hitchcock. Ja veieu, Tony ha descobert que Margot ha tingut una relació amb l'escriptor Mark (Robert Cummings) de l'escriptor de ficció del crim i tot fent-se amb ressentiment i gelosia que planeja matar-la. Realitza una obra elaborada que inclou xantatge a Swann (Anthony Dawson), un antic alumne de Cambridge, per fer la feina: Swann esperarà darrere dels draps una nit quan Margot tingui garantit que fos a casa, i Tony trucarà a casa. Quan vagi a buscar el telèfon, Swann apareixerà i la matarà. Com és habitual, la configuració sembla impenetrables, però una sèrie de males sorts i passos equivocats, per descomptat, envien el pla que es desprèn del control. Hitchcock torna a treure una mica de meravella, fent un relat que al paper es tracta de trucades endarrerides i claus fora de lloc, convertint-lo en un amargador d'ungles verificable. Intrigant, també aconsegueix que l'audiència simpatitzi (una mica) amb Tony; a mesura que el pla es desenrotlla, no podeu ajudar-vos a sentir una mica de llàstima pel noi. La pel·lícula destaca no només per ser la segona incursió en color de Hitchock ’; sinó també en 3D. No és estrany que l'ús del 3D aquí distregui (però, francament, no és pitjor que el mateix tipus d'antics “; in-your-face ”; antics que encara succeeixen avui en dia), però l'ús del color del director i rsquo; s (vegeu Kelly i rsquo; El canvi de color del vestit quan ella ’; s amb Tony i Mark) està atentament pensat. Una mica desconcertada i sobreexplicada al principi (es basa en una obra després de tot), la pel·lícula es mou de forma una vegada que la trama es posa en marxa i, com és habitual, el divertit es desprèn del seu entorn reduït. [B]

'1408' (2007)
“; Et vaig advertir sobre el 1408, ”; L’enigmàtic director de l’hotel Dolphin, Samuel L. Jackson ’; s, el senyor Olin s’alça en direcció a Mike Enslin (John Cusack), atrapat a la suposada sala d’hotel en aquesta encarnació cinematogràfica de Stephen KingBreu història del mateix nom de ’; El concepte és deliciosament senzill: Enslin, un autor d’èxit que es guanya la vida en llocs suposadament embruixats, assumeix la sala 1408 del Dolphin Hotel ’; s per a la seva propera tasca. Ignorant la imploració del senyor Olin, Enslin s’instal·la el 1408 i ràpidament s’adona que està molt a sobre del seu cap, probablement al llarg del temps, la col·locació insanament esporàdica de “We Only Only Begun” de The Carpenters trenca el silenci de l’ample- espai habitable de mida. El director Mikael Håfström utilitza efectes especials amb moderació però eficàcia, establint la imprevisible metamorforesi de la sala que inclou una escena absolutament fantàstica de realitat literal que esclata cap al final de la pel·lícula. Cusack és majoritàriament solitari com a Enslin i ofereix un rendiment sorprenentment mesurat que aporta fructíferament la seva humanitat malmesa. Enslin és, en molts aspectes, un gran candidat per al 1408, amb la seva pròpia part d'equipatge emocional, els esperits que posseeixen la sala poden desbloquejar-se i sucar el màxim dany psicològic. Tot i que no és especialment memorable, “1408 ”; és hàbilment dirigit i un plaer prendre i estremir i agitar en moments adequats. [B +]

“Dog Day Tardes” (1975)
No cal dir-ne molt més sobre Sidney Lumet ’; s una fantàstica pel·lícula heist, “; Dog Day Tardes, ”; Però, un altre cop de geni per crear tensió creant la imatge com un embolic en què els lladres queden atrapats dins d'una calorosa tarda a la ciutat de Nova York (està bé, està basat en una història veritable, però tot i així). La pel·lícula obté la major part del seu quilometratge dels seus dos protagonistes, el maníac i de solta Al Pacino interpretant al perdedor de dues vegades Sonny en el seu moment més fi i el Sal, atemorit i tenebrós (un John Cazale meravellosament mut). La feina suposa que seria el vostre treball bancari mitjà a Brooklyn, però a causa d’una comèdia d’errors, tot va malament, la policia arriba i els ineptes delinqüents pel cap se’ls veu obligats a prendre ostatges i a fer-se fora dins de l’esperança de l’alcalde satisferà les seves demandes La volatilitat s’accentua a mesura que s’estén la situació mentre els policia (un excel·lent Charles Durning) intenten negociar amb el robatori mercantil i suat, clarament a la vora. Més endavant (spoiler per si no us ho heu vist i per què a la terra no ho heu fet?), Aprenem per què Sonny ’; s tan nerviós; el seu amant (Chris Sarandon) intenta parlar-lo del robatori i descobrim les maquinacions que hi ha darrere del crim és motivat pel desig de Sonny ’; d’aconseguir-li una operació de canvi de sexe. És un gir fascinant cap a un puny clàssic i granat. [A]

Mencions honorífiques: Els ulls d’àguila entre els altres poden haver notat algunes llacunes, sobretot relacionades amb pel·lícules muntades íntegrament als trens. Però, amb 'Unstoppable', estarem guardant les opcions per a una línia de ferrocarril la setmana que ve, així que tingueu paciència. Altrament, hi ha algunes pel·lícules que val la pena esmentar, fins i tot si parteixen de la seva ubicació única una mica massa per incloure-les aquí. 'El llogater' de Polanski és una obra menor del director, però no interessant, i es deixa veure amb la interpretació central, en aquest cas, el mateix Polanski. La sorprenent “arca russa” és una extraordinària gesta de realització del cinema, fins i tot si de vegades se sent més com una instal·lació d'art que no pas una pel·lícula real. I el 'Dogville' i 'Manderlay' de Lars Von Trier són excel·lents, tot i que la configuració d'un lloc únic és un concepte brechtià, més que una entrada veritable al gènere.

En cas contrari, la 'Lluna' de ciència ficció de Duncan Jones s'ubica majoritàriament als confins d'una estació espacial, tot i que de vegades fa excursions a la superfície lunar. De la mateixa manera, tant 'Sunshine' com 'Das Boot' es troben completament dins de naus espacials / submarins, però les ubicacions són prou grans com per a que no es qualifiquen del tot, i 'Clerks' de Kevin Smith s'estén a dues ubicacions diferents i el carrer els transmet. . Aquest any, hi ha hagut dos thrillers que no s'han allunyat ni d'un sol lloc. Un, 'The Disappearance of Alice Creed', era divertitament retorç, desagradable i ben actuat, l'altre, 'Devil', de M. Night Shyamalan, produït per M. Shyamalan, era ... no. Finalment, ningú no havia vist “l’arsènic i la vella corda” de Frank Capra prou recent per redactar-lo, i, tot i que és estonidament d’una manera que, dir “corda” no ho és, val la pena comprovar-ho, si els nostres records esvaïts de és exacte.

veritables detectives de la temporada 3

- Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Katie Walsh, Tan Nguyen, Kevin Jagernauth, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez



Articles Més Populars

Categoria

Revisió

Característiques

Notícies

Televisió

Kit D’Eines

Pel·lícula

Festivals

Ressenyes

Premis

Taquilla

Entrevistes

Clicables

Llistes

Videojocs

Podcast

Contingut De Marca

Premis De La Temporada De Premis

Camió De Cinema

Influents